En plus, lors de la dernière séquence au palais de l'empereur, ce sont les hommes qui se griment en concubines pour tromper la vigilance des soldats de Shan-Yu et c'est Mulan seule qui donne le coup fatal ! Alors, un film macho ? Vraiment ?
On pourra toujours reprocher au film quelques incohérences et ficelles scénaristiques, comme le fait que l'armure du père à Mulan lui aille parfaitement alors que celui-ci est bien plus grand qu'elle ou le fait que personne n'ait remarqué plus tôt que Mulan était une femme (à ce point faut être bigleux, je ne vois pas d'autre explication) mais tout ceci participe au charme du film et j'aurais vraiment du mal à lui en tenir rigueur car tous les Disney en contiennent.
Un film toujours aussi sublime et le dernier grand Disney !
Assassin's Creed (2016) - Justin Kurzel
On connaît la relation qu'entretient Hollywood avec les adaptations de jeux-vidéos, à chaque fois on nous fait miroiter un miracle et à chaque fois ça donne la même soupe imbuvable. Après l'ignoble
Warcraft sorti cet été, c'est au tour d'
Ubisoft d'adapter sa franchise phare et, ô surprise, c'est à nouveau mauvais !
C'est la mode de nos jours, prendre un réalisateur prometteur, le mettre à la barre d'un blockbuster en roue libre et le saboter complètement sur l'autel de la bêtise. C'est ce qu'est Assassin's Creed, un film d'une bêtise sans nom qui semble avoir été lâché par la Fox avant même sa sortie à en voir la campagne de promotion quasiment inexistante. A sa tête,
Justin Kurzel qui reprend son casting de
Macbeth et qui en fait n'importe quoi tout simplement parce qu'il semble n'en avoir rien à foutre.
Non mais franchement, qui a cru à un moment donné que ce serait une bonne idée de faire ça ? Alors que tout l'intérêt du jeu réside justement à incarner un Assassin dans le passé, ici les séquences se déroulant en Espagne occupent à tout casser 20 minutes, le reste ce n'est que des tunnels de dialogues interminables tentant sans jamais y parvenir de développer une intrigue qu'un enfant de 12 ans aurait pu imaginer sans trop se creuser le cerveau. Et le pire c'est que tout ceci se prend incroyablement au sérieux ! Si c'était fun à la limite je pourrais lui pardonner certaines tares (encore que...) mais là c'est vraiment pas possible, tout semble forcé et prétexte à des scènes d'action illisibles et montées à la truelle, entrecoupées de séquences dans le présent avec Fassbender qui ne se bat contre rien du tout, qui a pensé ne serait-ce qu'une seconde que ce serait cool de faire ça ? Car non ça ne l'est pas, ça casse juste encore plus le rythme des affrontements qui sont déjà complètement loupés à ce niveau-là.
Et que dire du visuel ? Ça oscille entre le mauvais goût, les effets numériques dégueulasses et la suresthétisation ridicule, ça devrait être interdit par la loi de sortir des trucs pareils.
Finalement on arrive péniblement au bout des deux heures, rien ne s'est passé, aucune dramaturgie n'a été mise en place, on aura beau eu nous expliquer 4 fois l'importance de la Pomme (merci Jeremy Irons) on en est toujours autant avancé qu'au début.
Assassin's Creed c'est l'exemple typique du navet made in Hollywood, sans âme, sans volonté de proposer quoi que ce soit ou de développer une once de thématique intéressante...le néant absolu !
La Chair et le Sang (1985) - Paul Verhoeven
Après être devenu indésirable dans son pays natal, Paul Verhoeven s'exile aux Etats-Unis où il y tournera 7 films et où son cinéma prendra une nouvelle envergure.
La Chair et le Sang est le premier film de la carrière américaine de Verhoeven et préfigure déjà tout ce qu'il fera outre-atlantique, tout en gardant sa patte et son regard si particulier sur l'être humain.
Dès le début, on est plongé dans la violence traditionnelle du cinéaste qui décide ici de la transposer au 16ème siècle. Comme à son habitude, le hollandais violent est très crû dans ce qu'il montre, en témoigne cette scène de viol collectif sur le personnage de la jeune et sublime Jennifer Jason Leigh dans son premier grand rôle.
Verhoeven laisse volontairement de côté le réalisme de la reconstitution historique pour se concentrer sur ses personnages, emmenés par le toujours autant charismatique Rutger Hauer, leur foi et leurs pulsions. Il prend toujours un malin plaisir à jouer sur les tonalités et évite soigneusement tout manichéisme. L'identification aux personnages est volontairement empêchée tant ceux-ci sont pour la plupart des salopards.
La Chair et le Sang c'est aussi l'histoire d'une femme qui ne se laisse pas faire, qui manipule le personnage de Martin (Hauer justement) comme en témoigne par exemple la scène du viol où elle resserre ses jambes sur lui en lui disant "maintenant c'est moi qui te baise".
Un thème cher à Verhoeven revient aussi dans le film : celui de l'émancipation ou plutôt de la tentative d'émancipation. Martin est censé être à la tête d'une petite communauté soudée (il aurait d'ailleurs été choisi par Saint Martin lui-même) mais son individualisme prend vite le dessus lorsqu'il refuse de partager le corps de Agnès. C'est ce qui rend les personnages du cinéaste si intéressants, leur ambiguïté due à cette incapacité de vivre en communauté.
Bien évidemment, Verhoeven arrive toujours à accompagner son fond d'une formidable mise en scène, toujours extrêmement précise et avec à nouveau une très belle photographie de Jan de Bont, toujours dans des tons chauds, qui a suivi son ami Verhoeven jusqu'aux Etats-Unis...
Un super film qui annonce déjà un avenir radieux pour le hollandais violent et qui pose les bases, bien qu'assez éloigné, d'un certain Robocop !
The Social Network (2010) - David Fincher
Je suis toujours impressionné par la capacité qu'a
David Fincher de ressortir le meilleur de tout ce qui tombe entre ses main, même avec un projet casse-gueule comme
The Social Network.
Déjà lors de mon premier visionnage j'avais été fasciné par la manière avec laquelle
Fincher met en scène le génie (bien aidé certes par l'écriture de
Aaron Sorkin). Ici
Zuckerberg domine vraiment le spectateur intellectuellement parlant, on sent qu'il est vraiment surdoué, dans sa manière de parler, de travailler, d'être tout simplement (je le précise ici car j'ai visionné le "
Snowden" de
Oliver Stone la veille et
Fincher réussit justement ce qu'a de la peine à faire
Stone, c'est-à-dire mettre en scène un génie de l'informatique).
Et ça se remarque dès la formidable séquence d'ouverture entre Mark Zuckerberg et celle qui est encore pendant quelques minutes sa petite-amie. Le rythme imposé par les dialogues est décoiffant, Zuckerberg parle véritablement comme il code et il semble un peu déconnecté de la réalité...et Fincher filme ça à la perfection (on parle d'une centaine de prises pour obtenir le résultat, signe encore une fois de l'obsession de la perfection qu'a le cinéaste). Le tout est en plus accompagné des compositions enivrantes de Reznor et Ross, qui vont d'ailleurs continuer de collaborer avec Fincher pour ses films suivants...
Jesse Eisenberg ne joue pas Mark Zuckerberg, il EST Mark Zuckerberg, tout le reste du casting est d'ailleurs génial, que ce soit les premiers rôles ou les seconds couteaux.
The Social Network est le biopic quasi-parfait, doté d'une intelligence d'écriture rare et mis en scène par un cinéaste qui est tout autant doué dans son domaine que le personnage qu'il filme.
Paterson (2016) - Jim Jarmusch
Les films présentant un personnage ordinaire, pas forcément intéressant au premier abord, sont nombreux. Seulement, là où beaucoup de ces personnages essaient à un moment ou à un autre de se révolter, de faire quelque chose d'extraordinaire dans leur vie, Jim Jarmusch en fait l'opposé en faisant l'éloge du quotidien, celui de Paterson, un chauffeur de bus, poète à ses heures perdues, dans la ville du même nom (ça ne s'invente pas quand on nous parle dès le début d'un rêve concernant des jumeaux, beaucoup de choses vont de paire dans ce film).
Paterson présente donc une semaine entière de la vie de cet homme (magnifique
Adam Driver) qui se lève tous les jours à la même heure sans avoir besoin de réveil, qui va faire sa tournée en bus et qui rentre chez lui le soir retrouver sa petite-amie, créatrice dans l'âme avant de finir sa soirée en buvant une bière au bar du coin.
Ce train-train quotidien pourrait sembler barbant à première vue mais ce serait oublier le talent de Jim Jarmusch pour mettre en scène et raconter son histoire. On s'attache extrêmement vite à Paterson et chaque rencontre qu'il fera (dont notamment Method Man qui fait une apparition, j'ai été très surpris !), chaque conversation qu'il écoutera du coin de l'oreille au volant de son bus seront finalement de micro-événements qui font de lui l'homme qu'il est et l'homme qu'il sera.
Et c'est juste beau ! C'est beau de voir se couple s'aimer infiniment, comme si rien ne pouvait leur arriver, c'est beau de voir Paterson aborder une petite fille, qui écrit elle-même ses poèmes, et d'être sous le charme de l'un de ses textes, c'est beau de le voir arriver au bar, discuter avec le tenancier pendant qu'un homme vit un immense chagrin à cause d'un amour impossible.
Le film entier est un poème à la vie, Jim Jarmusch filme simplement de très beaux personnages (tous formidablement interprétés) qui font de belles rencontres et vivent de beaux moments malgré la banalité.
Vivre (1952) - Akira Kurosawa
Premier film de Akira Kurosawa se déroulant à notre époque que j'ai la chance de visionner et tout de suite ce qui saute aux yeux c'est la (désormais) traditionnelle maîtrise du cadre, ces mouvements de caméras réglés au millimètre et ces compositions qui, même si elles ne m'ont pas impressionnées comme dans Les 7 Samouraïs ou La Forteresse cachée, relève régulièrement du grand art !
Kurosawa reste dans l'exploration de la société humaine, le monde des fonctionnaires en l'occurrence et place là au milieu un homme qui n'a jamais manqué un seul jour de travail en 30 ans et qui va apprendre qu'il est atteint d'un cancer à l'estomac ne lui laissant plus que quelques mois à vivre.
Kurosawa nous pose donc une question simple mais terrible : que ferions-nous s'il nous restait 6 mois à vivre ? Kanji Watanabe (fantastique Takashi Shimura) fait tout d'abord ce que beaucoup d'entre nous feraient : rattraper le temps perdu. Le temps d'une nuit il boit, il joue, il chante (magnifique scène d'ailleurs). Puis il se met dans l'esprit de construire un parc où les enfants pourraient s'amuser.
Puis soudain : cut !
On est directement projeté 5 mois plus tard aux funérailles de Watanabe auxquels assistent ses collègues et sa famille à qui il avait caché sa maladie. Passé ce moment, le récit prend une tournure rappelant un peu celle de Rashomon, différents personnages vont raconter une étape du projet de Watanabe concernant le parc et les difficultés qui se sont dressées sur le chemin de cet homme déjà mort qui erre tel un fantôme.
Kurosawa jette un regard assez satirique sur son histoire, en témoigne par exemple la séquence où les médecins n'osent avouer à Watanabe son cancer, préférant parler "d'ulcère bénin". Il n'en oublie cependant pas ses très beaux personnages, capables d'émouvoir profondément par un simple regard.
Pourtant, malgré toutes ces qualités, cette maîtrise que personne ne pourra nier, c'est certainement le Kurosawa que j'ai le moins apprécié pour l'instant (comprenez : que je n'ai pas adoré comme les autres), peut-être est-ce le fait qu'il m'a fallu un moment pour m'habituer à cet environnement moderne alors que j'ai eu l'habitude, pour l'instant, de voir le maître filmer des samouraïs et autres guerriers du Japon médiéval.
Ce petit bémol personnel ne remettra de toute manière pas en cause l'immense film qu'est Vivre.
La Horde Sauvage (1969) - Sam Peckinpah
Je continue ma découverte du cinéma de Peckinpah avec un de ses films les plus connus : La Horde Sauvage, western sorti en 1969.
Le Nouvel Hollywood est en train de se mettre en route et ça se ressent. Sam Peckinpah est réputé pour la violence de son cinéma, La Horde Sauvage ne fait pas exception puisqu'il s'agit tout simplement d'un des westerns les plus violents jamais réalisés.
Deux grosses scènes d'une grande violence ouvrent et concluent le film mais, contrairement à ce qui a pu être dit, la violence n'est pas gratuite, c'est plus un témoignage tragique sur la nature humaine, sur une Amérique brisée dont les héros ne sont plus que l'ombre d'eux-mêmes.
Fini le temps des westerns aux grand héros quasi mythologiques et intouchables, ici ce sont des brigands, des salopards que l'on va suivre pendant près de 2h30 en train de préparer un ultime coup.
Peckinpah se refuse donc ici tout manichéisme, c'est sale, peu accueillant et personne n'est tout blanc...
Et il y a la mise en scène - osons le dire - incroyable du cinéaste, ces ralentis de corps qui tombent comme seul lui sait les faire, ces zooms et mouvements de caméra très amples, le films (surtout dans sa dernière heure) est un régal pour les yeux et ses scènes de massacres sont, malgré leur cruauté, purement jouissives !
On pourra regretter une première heure qui souffre d'un léger manque de rythme, la véritable histoire et les véritables enjeux n'étant mis en place qu'une fois passé ce palier, mais la maestria qui suit est telle que le film se place sans trop de soucis dans le Panthéon du Nouvel Hollywood !
La Grande Muraille (2017) - Zhang Yimou
Premier projet le plus improbable de l'année, La Grande Muraille avait de quoi faire peur à la vue des premières images. Cependant, cette commande d'Universal, production américaine "blockbusteresque" n'est pas le ratage attendu et la raison a un nom : Zhang Yimou.
Car oui, il s'agit certes d'un film destiné au public occidental (le cast de Matt Damon va clairement dans ce sens) mais la liberté qui a été laissée à Yimou en fait un film que se démarque du blockbuster habituel.
Alors non ce n'est pas un grand film, il y a plein de problèmes, de grosses ficelles scénaristiques, des deus ex machina à toutes les sauces, des effets spéciaux parfois totalement raté, le design des "bêtes" qui l'est tout autant, une soupe auditive bien américaine et j'en passe...
Il n'en demeure pas moins que le film est assez jouasse, plutôt beau visuellement par moments et contient nombre d'idées qu'on ne verrait pas dans un blockbuster américain lambda, par exemple les femmes qui tapent les tambours de guerre avec des nunchaku, les différentes couleurs des combattant qui font très Power Rangers a priori mais qui ajoutent une lisibilité bienvenue dans les combats. Ces derniers, d'ailleurs, se renouvellent beaucoup, il y a à chaque fois de nouvelles armes qui sont utilisées et la mise en scène prend régulièrement de l'envergure avec son lot de plans bien sympas !
La Grande Muraille est donc loin d'être la catastrophe annoncée mais on est aussi loin d'avoir un grand film. Sans aucun doute un petit plaisir coupable, le film a au moins le mérite de mettre un petit coup de pied dans la fourmilière des grosses productions américaines en apportant un regard asiatique sur tout ça.
Et ma foi, je ne vais pas m'en plaindre.
Live by Night (2017) - Ben Affleck
4 ans après son triomphe aux Oscars avec Argo, Ben Affleck repasse derrière la caméra pour une nouvelle adaptation d'un roman de Dennis Lehane après Gone Baby Gone.
Le talentueux réalisateur s'attaque donc cette fois-ci au film de gangster situé durant la Prohibition et il incarne à nouveau lui-même le personnage principal : un "petit" gangster de Boston qui va se retrouver à la tête du plus gros trafic de rhum de Floride.
Il faut laisser à Ben Affleck une chose : il sait s'entourer. Il en résulte un film très réussi d'un point de vue formel avec la belle photographie de Robert Richardson et une reconstitution des années 20 vraiment réussie et une réalisation plutôt sobre, presque académique mais sans que ce soit criard.
Malheureusement, le reste ne suit pas toujours. Le scénario est très (trop ?) classique, le film a beau brasser pas mal de thématiques comme la religion, le racisme, la drogue, celles-ci ne sont jamais assez développées pour obtenir une véritable réflexion dessus. L'intrigue met aussi passablement de temps à véritablement démarrer et Ben Affleck manque sa fin en ajoutant 5 minutes totalement dispensables étant donné leur inutilité dans le développement de la psychologie des personnages.
Affleck acteur est lui-même un problème car il n'a absolument pas les épaules pour le rôle. Le voir serrer constamment la mâchoire dans des costumes qui semblent toujours trop grands pour lui ça prête clairement à sourire, on peut vraiment regretter qu'il n'ait pas eu l'humilité de confier le rôle principal à quelqu'un de plus crédible car il est difficile de toujours croire à ce qu'il se passe à l'écran quand le protagoniste, celui à qui le spectateur est censé s'identifier, affiche la plupart du temps un air assez béat et naïf.
Loin de livrer un mauvais film, Ben Affleck nous en livre un vraiment oubliable qui ne révolutionne en tout cas pas le genre et qui est desservi par ce même Ben Affleck de l'autre côté de la caméra.
Reste que le film est formellement agréable pour la rétine et que certains gunfights sont vraiment réussis, le minimum est donc clairement atteint mais peut-on vraiment s'en contenter ?
La Colline des Potences (1959) - Delmer Daves
La Colline des Potences, sorti en 1959, marque à la fois le dernier western de son réalisateur Delmer Daves mais également de son acteur principal, le monstre sacré Gary Cooper.
En premier je voulais juste passer un coup de gueule à la version DVD que j'ai visionnée qui a été recadrée en 4/3, ne rendant absolument pas hommage au film, initialement tourné en 1.85.
Une fois la pilule avalée, on ne peut qu'admirer le spectacle ! Le film présente tous les éléments d'un grand western : des personnages forts, un cadre sublime et des musiques qui le sont tout autant, on est très vite embarqué !
Une nouvelle fois, le charisme rutilant de Gary Cooper inonde l'écran, son personnage est d'ailleurs très réussi car ambigu, énigmatique, on ne comprend pas toujours ses actes et on ressent une part d'ombre chez lui.
D'ailleurs tous les personnages sont intéressants de par leur ambiguïté : Rune est un voleur au début de l'histoire, Frenchy entretien une relation très étrange avec la jeune femme qui est elle même à l'opposé de la femme telle que normalement représentée dans les westerns américains.
Le film raconte également de grandes choses sur l'Amérique, sur la Conquête de l'Ouest et le destin des chercheurs d'or qui repose en grande partie sur la chance (qui est évoquée plusieurs fois dans le film).
Et puis il y a la réalisation de Delmer Daves, d'une maîtrise formidable, sans jamais trop en faire. Les cadres sont précis, les décors magnifiquement utilisés (le film est tourné en grande majorité en extérieur).
Un western sublime mais malheureusement trop peu connu et qui fait office de chant du cygne remarquable pour cet acteur légendaire qu'est Gary Cooper.
Les Parapluies de Cherbourg (1964) - Jacques Demy
Avec le triomphe de
La La Land, le genre du musical refait beaucoup parler de lui. C'était donc l'occasion de se tourner un peu vers
Jacques Demy (une des influences principales de
Damien Chazelle) en revoyant un de ses films les plus connus :
Les Parapluies de Cherbourg.
Le film se déroule donc à Cherbourg, sur une période s'étalant du début des années 50 au milieu des années 60 et raconte l'histoire d'un couple obligé de se séparer car Guy (Nino Castelnuovo) est appelé pour aller servir en Algérie. Leur amour va donc être mis à rude épreuve.
Si je livre ce petit synopsis, c'est parce que le film aborde un sujet plutôt tabou pour l'époque : la Guerre d'Algérie et les répercussion qu'elle peut avoir non seulement pour ceux qui s'y trouvent mais également pour tous les autres qui se retrouvent séparés de leurs proches.
Jacques Demy assume ici un parti-pris drastique et totalement irréaliste d'un film entièrement chanté : si cela peut paraître très étrange au début, après quelques minutes tout cela semble presque naturel (même si la synchro labiale n'est pas toujours parfaite).
Mais ce qui touche vraiment dans les Parapluies de Cherbourg, c'est son histoire, ces deux jeunes gens qui s'aiment profondément et qui se retrouvent séparés malgré eux et dont le couple n'y survivra pas. C'est très universel car nous sommes tous un jour confrontés à ça : un ami, un amant, quelqu'un que nous aimons qui sort de notre vie.
Catherine Deneuve est merveilleuse, on sent toute la tristesse en elle quand elle est obligée de laisser partir Guy, son jeu de regard n'est d'ailleurs pas sans rappeler une certaine Emma Stone, tant celui-ci transmet d'émotions.
Le film n'en fait pas trop niveau réalisation, il n'y a pas de chorégraphies très élaborées, peu de montage, le film est vraiment centré sur les relations humaines avant tout. J'ai profité de ce visionnage pour regarder la version restaurée et le film est très beau et coloré (beaucoup de bleu et de rose sans que ce soit criard).
Les
Parapluies de Cherbourg est une très belle fable sur l'amour et la séparation ainsi que sur l'oubli, en témoigne cette dernière séquence qu'on pourrait penser de trop a priori mais qui montre avec une grande tristesse que
Guy et
Geneviève sont passés à autre chose, qu'ils ont recommencé leur vie mais, qu'au fond, ils ne se sont jamais vraiment oubliés...
Total Recall (1990) - Paul Verhoeven
Après
Robocop et son entreprise toute puissante,
Paul Verhoven continue son exploration de la société américaine, de l'état totalitaire plus précisément, en adaptant cette fois ci le grand
Philip K. Dick.
Total Recall est certainement mon
Verhoeven préféré, tout y est : le spectacle bien sûr mais également tout ce qui fait la force du cinéma du hollandais comme la critique par l'ironie, un personnage principal qui ne se sent pas à sa place dans le moule de la société et le rapport au corps et à la chair, encore une fois particulièrement charcutés.
Ce personnage, c'est
Quaid, campé par un
Schwarzenegger parfait en musclor à l'air naïf, reflet total du cinéma de son auteur.
Ici,
Verhoeven ne s'embarrasse pas d'un suspens inutile, la fin du film est déjà racontée dans les 15 premières minutes car ce qui compte dans
Total Recall n'est pas de savoir comment cela se finit mais plutôt comment est-ce qu'on y parvient.
L'intrigue se parcoure donc telles les méandres de l'esprit de
Quaid qui va vivre un "ego trip" sous la forme d'un agent secret envoyé sur mars. Cependant, il apprendra par la suite qu'il travaille en fait depuis le début pour le gouvernement, que son nom est
Hauser et qu'il a pris la couverture de
Quaid (en subissant un lavage de cerveau).
L'évolution de Quaid est donc très intéressante, il devra d'abord de libérer du moule dans lequel il se trouve (plan très symbolique où il brise la barrière à rayons X qui le fait donc passer de simple squelette à individu à part entière) puis accomplir sa mission sur Mars. Cependant, et c'est là le génie de
Verhoeven, le doute sur le fait que ce soit un rêve ou non est maintenu jusqu'à la fin du film et la mise en abîme du spectateur (qui ne sait pas lui même si ce qu'il regarde est vrai) est complète. La fin est d'ailleurs très ambiguë, à la manière du "Je suis Murphy" à la fin de
Robocop, et ne constitue pas le happy end qu'elle semble être.
Total Recall est le sommet de ce que veut raconter
Verhoeven avec son cinéma et peut-être également le sommet de sa carrière hollywoodienne, à voir et revoir sans modération !
La nuit nous appartient (2007) - James Gray
Plus je découvre la filmographie de
James Gray, plus je me demande comment j'ai pu faire pour passer à côté de son cinéma durant tout ce temps !
Troisième
Gray, deuxième baffe ni plus ni moins !
Après un
Little Odessa qui mettait déjà en place les thématiques et le sens du visuel propre au réalisateur, celui-ci enchaînait en 2000 avec le formidable
The Yards dont le gros raté au box-office fit perdre la confiance des studios envers
James Gray (qui n'a jamais fonctionné dans son propre pays d'ailleurs).
Il lui faut 7 ans pour sortir son prochain film :
La Nuit nous Appartient (We Own The Night) qui assoit pour de bon James Gray en tant que très grand auteur.
Le film ressemble en bien des points à
The Yards (et même
Little Odessa) : cette attirance pour les ambiances nocturnes, ces personnages dont la famille est à la fois destructrice et reconstructrice et de sublimes personnages.
Le film s'ouvre d'ailleurs sur une scène formidable et très sensuelle entre
Joaquin Phoenix et
Eva Mendes sur un son de
Blondie, le ton est tout de suite posé !
Comme déjà dit, la famille est une composante essentielle du cinéma de
James Gray et la particularité de celle-ci c'est qu'elle est dysfonctionnelle et l'écriture très dramaturgique.
Tout ceci est bien sûr tenu ensemble par la performance extraordinaire de tous les acteurs, que ce soient les désormais habitués
Mark Wahlberg ou
Phoenix mais également les seconds couteaux comme
Robert Duvall qui est d'ailleurs le second acteur issu de la trilogie du Parrain après
James Caan (dans
The Yards) à rejoindre la distribution d'un film de Gray.
La Nuit nous Appartient est le polar noir par excellence, extrêmement juste dans ce qu'il raconte, parfaitement rythmé et mis en scène avec une élégance rare.
James Gray atteint déjà sa maturité après 3 films et on ne peut qu'être enthousiastes pour son futur
Lost City of Z. A voir absolument !
La Porte du paradis (1980) - Michael Cimino
La Porte du Paradis est un film légendaire. Pourquoi ça ? Le western épique à 40 millions de budget de Michael Cimino avait fait un tel flop au box-office lors de sa sortie qu'il avait plongé United Artists dans la faillite tout en précipitant la fin du Nouvel Hollywood. La Porte du Paradis marque la fin de la liberté des auteurs et la reprise petit à petit du contrôle par les studios.
Michael Cimino lui-même ne se remettra jamais de cet échec.
Pourtant, le film a fait l'objet d'une restauration en 2012 dans une version remontée "director's cut" de 216 minutes et a depuis été totalement réhabilité et considéré comme un chef-d'oeuvre du 7ème art.
Il faut dire que La Porte du Paradis c'est du cinéma total : beau à en tomber avec certainement une des plus belles photographies du cinéma américain, sans lourdeur, sans exagération. Les compositions de plan de Cimino sont toutes plus folles les unes que les autres et il a un talent assez incroyable pour filmer les foules car il y en a beaucoup, que ce soit pour de simples danses ou pour des combats sanglants (comme en témoigne la dernière grande séquence de bataille du film, on n'est pas loin d'un Sam Peckinpah).
Surtout, c'est plus qu'un simple western. L'influence de Peckinpah se fait à nouveau ressentir dans la manière qu'a Cimino de détourner les grands mythes américains. Car non, La Porte du Paradis n'est pas tendre avec les Etats-Unis, elle en dresse un portrait violent et ceci n'est peut-être pas étranger à l'échec du film quand on sait à quel point les américains n'aiment pas qu'on égratigne leur beau pays.
Le personnage du, désormais, regretté John Hurt est assez parlant à ce niveau. Au début du film on nous le présente comme un grand déconneur, porte-parole de sa promotion à Harvard et enjoué.
Des années plus tard on le retrouve alcoolique, désabusé face à la cruauté de l'espère humaine. C'est beau et terrible !
Les personnage sont d'ailleurs tous très beaux : il y a bien sûr Kris Kristofferson et son immense charisme ainsi que la splendide Isabelle Huppert mais tout le reste du casting est parfaitement utilisé : que ce soit Jeff Bridges, Christopher Walken ou même Mickey Rourke !
Aucun ne fait du remplissage alors qu'on sait à quel point c'est difficile de diriger un aussi grand casting.
Malgré le fait que j'ai quand même ressenti quelques longueurs (surtout vers la moitié), le film se laisse regarder très facilement, rien n'est de trop dans ces 216 minutes.
Un film légendaire que tout le monde se doit de voir au moins une fois pour ce qu'il raconte, comment il le raconte mais également pour ce qui a forgé sa légende.
Split (2017) - M. Night Shyamalan
M. Night Shyamalan est un cas assez étrange à Hollywood. Après deux premiers longs-métrages (Sixième Sens et Incassable) qui avaient connu un grand succès critique, le cinéaste d'origine indienne est ensuite tombé de plus en plus dans la médiocrité jusqu'à toucher le fond avec des films comme Le dernier Maître de l'Air ou After Earth. Ayant désormais totalement perdu le mojo, on parle depuis quelques temps d'une rédemption pour Shyamalan, c'était déjà le cas avec The Visit (que je n'ai pas vu) et désormais donc avec Split qui parle d'un personnage atteint de trouble de la personnalité et qui promettait de se rapprocher de ce que faisait le réalisateur à ses débuts.
Si on peut accorder à M. Night Shyamalan une certaine audace, la rédemption attendra encore car Split est raté dans les grandes largeurs et n'est au final qu'une fausse bonne idée de plus dans le paysage hollywoodien actuel.
Le film se passe en quasi huis-clos, Kevin (James McAvoy) kidnappe 3 jeunes filles qu'il va retenir prisonnières chez lui et celles-ci vont être confrontées aux multiples personnalités (24 en tout mais on en voit surtout 4) du personnage.
Le huis-clos est un genre qui peut s'avérer très anxiogène s'il est bien maîtrisé et bien écrit. Or, d'entrée, le film pêche à ce niveau car les 3 filles sont censées être enfermée mais durant les 20 premières minutes du film elles auraient eu largement les moyens de s'évader au moins 3 ou 4 fois mais ne le font pas (pour prolonger l'histoire bien évidemment, sinon le film serait bien vite achevé). C'est typiquement le genre de truc qui m'exaspère quand des personnages ne font pas quelque chose qui semble évident pour tout le monde, surtout qu'il n'y a pas de raison particulière à ce qu'elles agissent comme ça (il y a une tentative d'explication qui peine franchement à convaincre).
L'histoire tourne bien évidemment autour de James McAvoy qui doit parfois jouer plusieurs personnages au cours d'une même scène en changeant donc à la fois d'apparence mais également de manière de jouer. Sauf que ça ne prend pas car son jeu n'est pas assez bon pour y croire, moi je vois juste McAvoy qui joue le psychopathe (à la limite même du cabotinage parfois), il N'EST PAS un psychopathe et c'est extrêmement gênant car c'est censé être le centre même du film.
Shyamalan essaye quand même de le filmer afin de mettre en avant sa folie : il est notamment souvent filmé en gros plan avec une focale courte (procédé dont raffole un certain Terry Gilliam pour mettre en avant la folie chez ses personnages) qui donne un aspect assez déformé à son visage. Je dis pourquoi pas mais alors pourquoi le faire également pour les autres personnages ? Cette idée de mise en scène perd du coup tout son intérêt car on a des plans du type sur plusieurs personnages durant tout le film sans que ce soit justifié.
Ce n'est d'ailleurs pas la seule bizarrerie, certaines idées de mise en scène sont carrément douteuses comme notamment le passage à une vue subjective par moments ou l'utilisation de flashbacks qui n'ont pas vraiment de sens si ce n'est pour expliquer certains retournement qui auront lieu plus tard (paies ta subtilité, on est dans la définition littérale du fusil de Tchekhov !).
On a vraiment l'impression que Shyamalan voulait faire quelque chose de son film, lui apporter une certaine ampleur mais qu'il n'a pas su comment (ou n'a plus le talent pour) y arriver.
En plus, le film est interminable et c'est d'un ennui rare. Les personnages secondaires (mis à part Casey) ne sont pas assez développés pour qu'on se soucie de leur sort et du coup on voit toute cette histoire se passer sous nos yeux avec James McAvoy qui essaie de faire son numéro mais il n'y a rien qui se dégage de tout ça, c'est le néant. Pour tout dire j'ai largement préféré le personnage de Casey à celui de Kevin pour tout vous dire...
La dernière personnalité de Kevin n'a en plus aucun sens, rien n'explique qu'il réagisse de cette manière, c'est juste du gros n'importe quoi !
Seule la fin réussit à relever un peu le niveau car la musique est très belle et ça a le mérite de ne pas trop expliquer. Il y a en plus une grosse surprise (ce n'est pas un twist mais une apparition) qui m'a fait sourire car je ne m'y attendais pas du tout.
Un film inintéressant au possible qui ne constituera en tout cas pas une renaissance pour
M.Night Shyamalan (en tout cas pas dans mon coeur). Le film semble cependant fonctionner au box-office américain et les critiques spécialisées sont encourageantes, peut-être que ça redonnera un second souffle au cinéaste mais pour moi c'est directement poubelle !
Manchester by the Sea (2016) - Kenneth Lonergan
Manchester by the Sea fait parler de lui depuis un petit moment déjà. Il était temps pour moi de découvrir le film de
Kenneth Lonergan, un mélodrame se situant dans le nord est des Etats-Unis où
Lee Chandler (
Casey Affleck) est confronté au décès de son frère et doit retourner à
Manchester-by-the-Sea, où il a vécu auparavant, pour s'occuper de son neveu.
Le genre du mélo est assez casse-gueule, il est facile de vite tomber dans le pathos mais difficile de raconter quelque chose de vraiment touchant sans utiliser d'artifices lourdingues. Pourtant,
Kenneth Lonergan y arrive à la perfection et la principale raison à ça est qu'il garde toujours une certaine distance avec ses personnages. Ici, pas de gros plans sur des personnages qui pleurent (d'ailleurs il ne doit pas y avoir un seul gros plan dans le film de mémoire), tout est toujours présenté en plans assez larges et qui durent souvent longtemps.
Casey Affleck est fantastique, son personnage est confronté à la mort de son frère mais on apprendra en cours de film, via un des nombreux flashbacks habilement intégrés au récit, qu'il avait déjà vécu un drame dans sa vie. Ce moment est déchirant car on nous laisse déjà entendre via certains personnages (qui parlent de lui comme LE
Lee Chandler, comme s'il était célèbre pour une quelconque raison) qu'il a dû vivre un événement traumatisant mais le revivre avec lui est assez bouleversant.
On ne peut donc qu'être assez admiratif devant le courage de cet homme qui fait ce qu'il peut pour garder la tête froide. Je me suis très rapidement attaché à lui (ayant moi-même vécu un deuil) et la performance de
Casey Affleck y est pour beaucoup, il intériorise beaucoup jusqu'à arriver à un point de rupture qui le rend d'autant plus touchant.
Les seconds rôles ne sont pas en reste non plus, la très belle
Michelle Williams illumine l'écran et le jeune
Lucas Hedges (qu'on avait déjà vu chez
Wes Anderson) affiche une très belle complicité avec Affleck.
La photographie est à l'image du film, belle mais sans fioritures, elle sublime à merveille les paysages enneigés du
Massachusetts. J'aurai un peu plus de réserves sur la musique, à base de chœurs principalement, trop présente à certains moments où le silence aurait été préférable.
Un film dont on ressort assez déprimé mais qui rappelle que la vie ce n'est pas toujours la joie.
Basic Instinct (1992) - Paul Verhoeven
Un miroir, un couple qui fait l'amour, un meurtre extrêmement sanglant. La première séquence de
Basic Instinct à elle seule donne déjà le ton de tout ce que sera le film mais également de toute la carrière de
Paul Verhoeven : un jeu sur les faux semblants, la violence et la sexualité.
Le hollandais violent et jusqu'à présent connu aux Etats-Unis pour
Robocop et
Total Recall, deux films à gros budget. Avec
Basic Instinct, il revient à un cinéma plus intimiste, aux racines qui s'étendaient sur toute sa période hollandaise où le sexe et les femmes fortes constituaient une composante fondamentale de son cinéma.
Basic Instinct est plus qu'un simple thriller érotique destiné à exciter l'homme moyen (choses que l'on a pu lire à gauche à droite), c'est surtout un film que seul
Verhoeven aurait été capable de faire, plein de sous-entendus et de messages sur la société américaine.
Le personnage de
Catherine Tramell (bouillante
Sharon Stone) rappelle fortement celui incarné par
Renée Soutendijk dans
Le Quatrième Homme : intelligente, manipulatrice, terriblement séduisante qui va attirer à elle l'inspecteur
Nick Curran (
Michael Douglas) qui enquête sur l'homicide présenté dans la première scène du film.
Le personnage de Nick a ça d'intéressant qu'il est dans un premier temps éloigné du personnage
verhoevenien traditionnel dans le sens où il ne tente pas de s'extraire du moule de la société, il essaye au contraire de s'y intégrer en voulant être l'américain modèle qui a arrêté l'alcool, la cigarette et la drogue. C'est Catherine qui va être le déclencheur et faire retomber Nick dans tous ses travers.
Paul Verhoeven joue habilement sur le jeu de séduction entre
Nick et
Catherine et l'ambiguïté de leur relation, chacun pensant avoir l'avantage sur l'autre pour au final ne faire qu'un sous les draps. Nick et Catherine représentent d'ailleurs une figure majeur dans le cinéma du hollandais violent, celle du double. Tel
Murphy/Robocop, tel
Douglas/Hauser, on peut voir
Nick/Catherine comme le miroir l'un de l'autre, celui-ci allant même jusqu'à piquer les répliques de
Catherine lorsqu'il est interrogé dans la même salle que celle-ci (la fameuse scène du décroisé de jambes).
Toute l'intrigue autour de l'enquête a ça d'intéressant qu'elle ne donne pas, à la manière des faux happy-end de Robocop et Total Recall, de réponse définitive. Si le premier plan nous présentait la mort, celui final nous laisse dans l'expectative, si bien que les certitudes que semble avancer le film au début, s'écroulent petit à petit l'une après l'autre.
Film résolument hitchcockien dans l'âme (notamment de par son voyeurisme) et rythmé par les partitions lancinantes de
Jerry Goldsmith,
Basic Instinct a marqué les esprit lors de sa sortie. On pourra lui reprocher quelques longueurs dans sa deuxième moitié mais il n'en demeure pas moins un film majeur dans la carrière de son auteur.
Les salauds dorment en paix (1960) - Akira Kurosawa
Premier film de Akira Kurosawa produit par ses soins (toujours coproduit par la Toho), Les Salauds dorment en paix (très beau titre français au passage), adaptation très libre du Hamlet de Shakespeare, continue l'exploration de la société japonaise moderne. Après avoir parlé de la peur de la mort et d'une nouvelle catastrophe nucléaire (à peine 10 ans après le double bombardement de 1945), le maître japonais s'attaque cette fois-ci à la corruption au sein d'une grande entreprise avec toujours la justesse et le génie de mise en scène qui le caractérise depuis ses débuts.
Le film débute par une formidable séquence d'ouverture de 20 minutes nous montrant le mariage de la fille du vice-directeur de l'entreprise avec Nishi (un Toshiro Mifune qui irradie à nouveau l'écran de son charisme), secrétaire de celui-ci.
La scène brille par la clarté avec laquelle elle met déjà en place tous les enjeux et toute la mythologie du film et démontre une nouvelle fois le talent qu'a Kurosawa pour mettre en scène les foules : c'est fluide, dynamique, cadré au millimètre, tout y est !
Le Japon que décrit Kurosawa dans Les Salauds dorment en paix est nihiliste au possible et la noirceur de l'être humain est ici poussée à son paroxysme, chacun étant prêt à tout pour arriver à ses fins (comme pousser ses employés au suicide).
Le film ne tombe pourtant pas dans le manichéisme bas de gamme, chaque personnage défendant de près ou de loin ses propres intérêts avec une ambiguïté parfaitement dosée.
Le personnage incarné par Mifune est un bel exemple : il se marie avec la fille du vice-directeur uniquement pour atteindre plus facilement ce dernier qu'il considère comme responsable du suicide de son père et qu'il veut venger. Cependant, il se rendra compte au fur et à mesure qu'il aime réellement la fille et ce sentiment le déchire intérieurement...
Avec Les Salauds dorment en paix, Akira Kurosawa nous livre une nouvelle fois un film magistral, jouant sur la noirceur et l'amoralité, à l'image de sa fin, pessimiste au possible et nous faisant comprendre que rien n'est vraiment réglé.
Le film a beau être assez peu connu (surtout si on compare à ses chanbara les plus célèbres), il n'en demeure pas moins un film majeur dans la carrière du cinéaste et est à voir absolument !
Loving (2017) - Jeff Nichols
Jeff Nichols carbure fort ces derniers temps !
Après avoir exploré le drame sous toutes ses formes avec Shotgun Stories, Take Shelter et Mud, puis la science-fiction l'an passé avec le très beau Midnight Special, le réalisateur arkansasais change à nouveau de registre pour s'attaquer au biopic en adaptant à l'écran l'affaire Loving v. Virginia qui avait fait grand bruit dans l'Amérique ségrégationniste des années 50.
L'arrêt rendu par la Cour suprême américaine avait alors déclaré comme anticonstitutionnelle la loi en vigueur dans l'Etat de Virginie (notamment) qui interdisait le mariage interracial.
Jeff Nichols étale son histoire sur à peu près une décennie, entre le moment où Mildred (Ruth Negga) et Richard Loving (Joel Edgerton) se marient, jusqu'au moment où le verdict est rendu en 1967.
On connaît le penchant du cinéaste pour la cellule familial, son cinéma ayant toujours été basé sur celle-ci et les drames qui peuvent venir la bousculer (il est d'ailleurs souvent rapproché de Spielberg à ce niveau-là).
Loving ne fait pas exception, Nichols fait un choix plutôt radical de se concentrer presque intégralement à ce couple, à l'amour très fort qui les unis (rejoignant donc le titre) et que rien ne semble pouvoir atteindre.
Nichols met ici le classicisme de sa mise en scène au service de cette histoire sans jamais juger, prenant même passablement de recul par rapport aux événements et en n'accentuant jamais les quelques rares violences que subit le couple Loving.
Le choix volontaire de Jeff Nichols d'éclipser en très grande partie le jugement devant la Cour suprême peut surprendre voir frustrer, ça a d'ailleurs été mon cas, moi qui adore les films de procès (que je trouve très cinématographiques) en sortant de la salle. Cependant, avec le recul, je me suis dit que c'était finalement une continuité dans le cinéma du réalisateur et que traiter tout l'aspect juridique différemment n'aurait finalement pas rendu hommage aux valeurs que défend Nichols.
On pourra reprocher aux films quelques lourdeurs telles que la symbolique de la construction du mur, beaucoup trop appuyé, quelques séquences sans réel intérêt et certains personnages sous-écrits. Il n'en demeure pas moins que Jeff Nichols nous livre à nouveau un très bon film, parvenant à faire ressortir la beauté de ses personnages (impeccablement interprétés d'ailleurs) et sachant instaurer de la tension à certains moment (en jouant notamment sur la paranoïa des protagonistes qui ont peur de se faire dénoncer).
Loving est certes moins marquant qu'un Take Shelter, moins beau qu'un Mud ou moins ambitieux qu'un Midnight Special mais il reste un film de Jeff Nichols, pas son meilleur mais intéressant par ce qu'il raconte et la manière dont c'est fait. S'il y a une chose qu'il faut laisser à Nichols, c'est qu'il n'a encore jamais trahi son cinéma .
J'attends maintenant au tournant le prochain film du cinéaste qui a déjà annoncé vouloir retourner à la science-fiction !
T2 Trainspotting (2017) - Danny Boyle
Autant le dire tout de suite, je n'ai pas d'attachement particulier envers Trainspotting premier du nom, que j'avais d'ailleurs regardé la veille et aimé sans l'adorer.
Cette suite m'intéressait tout de même, ne serait-ce que par curiosité de retrouver tous ces personnages (car le casting est inchangé, ce qui est assez fort de nos jours) 20 ans plus tard, de voir ce qu'ils ont fait de leur vie et si leur rancœur est encore vive...
Et c'est exactement ce que nous propose le film avec un Mark Renton (Ewan McGregor) qui, après 20 ans passé à Amsterdam par culpabilité (même si ce n'est jamais vraiment expliqué dans le film), revient à Édimbourg afin de reprendre contact avec les amis qu'il a trahi et qui ne sont pas tous enchantés de son retour.
La jeunesse, la folie et la camaraderie de Trainspotting laissent donc place aux déceptions la vie adulte, aux regrets et à la haine. C'est ce qui est vraiment intéressant dans le film : voir ces jeunes que l'on a vu planer au 7ème ciel à coup d'injections d'héroïne se retrouver avec des rides et le poids des années en plus, poids qui est très difficile à porter.
Cependant, T2 reste une suite et fait très régulièrement le lien avec le premier, que ce soit via des flashbacks ou via des éléments de mise en scène et des cadres directement repris du premier film. On pourra ici reprocher le peu de subtilité dont fait parfois preuve Danny Boyle (qui lui aussi a 20 ans de plus rappelons-le) avec ses effets qui passaient convenablement quand il s'agissait de retranscrire les trips de jeunes héroïnomanes mais qui font très tape-à-l’œil - en plus d'être assez moches et vains - quand ils sont appliqués aux mêmes personnages qui essaient justement de passer à autre chose.
Danny Boyle brille pourtant lors de certaines séquences comme celle où Mark et Simon doivent improviser une chanson sur la Bataille de la Boyne dans un club protestant où on retrouve justement la folie et l'audace du premier film sans faire dans le simple clin d’œil.
Ce sont précisément ces moments là que j'ai le plus apprécié, ceux qui apportent véritablement quelque chose sans s'appuyer trop fortement sur le premier film.
Les fans seront certainement enchantés de retrouver ces personnages qui ont marqué toute une génération, ainsi que leur fort accent écossais. Il faut dire que le casting est vraiment convaincant, que ce soit McGregor, Jonny Lee Miller, Ewen Bremner ou Robert Carlyle. Même Anjela Nedyalkova, la nouvelle venue, réussi à tirer son épingle du jeu alors qu'on aurait pu craindre un simple rôle de figuration (ce qui est le cas du personnage de Diane par exemple).
T2 Trainspotting m'a donc convaincu à défaut de m'avoir charmé, je lui reprocherai principalement une mise en scène pas toujours inspirée dans les effets qu'elle utilise (ces arrêts sur image je ne comprendrai jamais le délire) et qui ne colle pas à son sujet ainsi que des références parfois trop appuyées au premier film.
Cependant, le capital sympathie de ses personnages est toujours intact et permet de ne jamais s'ennuyer durant ces 2h et d'en ressortir avec une envie de parler comme Sean Connery...et ça c'est cool !
John Wick 2 (2017) - Chad Stahelski
Disons le tout de suite, le premier John Wick avait été une excellente surprise lors de sa sortie en 2014. Alors que l'on pouvait craindre un énième film d'action testostéroné mais décérébré à la Taken, le film faisait le pari de l'hommage aux séries B des années 80 en misant sur le charisme et l'icônisation (en 15 minutes chrono !) de son acteur principal : un Keanu Reeves au sommet de sa forme.
Il en résultait un film absolument jouasse, qui ne tergiversait pas et allait directement à l'essentiel, de la bastonnade savamment mise en scène et un rythme parfaitement géré.
Trois ans plus tard, John Wick est de retour avec toujours Reeves dans le rôle titre, Chad Stahelski à la réalisation (seul cette fois-ci, David Leitch étant allé réaliser ses propres projets) mais un budget doublé.
Et si cette suite reprend en grande partie le fun procuré par le premier chapitre, il souffre aussi de certaines tares inhérentes à la suite plus (trop ?) ambitieuse.
Car là où le premier jouait beaucoup sur sa spontanéité et sur des enjeux clairs et simples, sa suite tente de développer une intrigue plus poussée autour de la fameuse "confrérie" d'assassins qu'on voyait déjà dans le premier. C'est précisément là que l'on trouve le principal défaut que l'on peut reprocher au film, son rythme s'en retrouve bancal car Stahelski n'est pas aussi douer pour filmer les dialogues qu'il ne l'est pour mettre en scène l'action, il est résulte certains passages explicatifs (Wick lui-même parle beaucoup alors qu'il était très peu bavard dans le premier) pas forcément intéressants.
Le film a d'ailleurs joué à me faire peur avec une première séquence plutôt ratée car totalement dispensable dans laquelle John Wick retourne récupérer sa voiture chez le frère de Viggo (l'antagoniste principal du premier film). Cependant, une fois passé cette introduction laborieuse, le film retombe dans ce qu'il fait de mieux : de l'action rythmée, impactante et parfaitement lisible. Il est toujours autant appréciable de voir Stahelski (qui est un ancien cascadeur rappelons-le) nous proposer ce type de baston à l'heure où les cuts toutes les secondes semblent être devenus le mètre-étalon du genre.
Et c'est vraiment dans ces moments là que le film est fun, quand il fait ce qu'il sait faire, parce que franchement, voir un Keanu Reeves aussi classe trucider 20 mecs à la minutes, c'est quand même foutrement jouissif !
Il en résulte donc un épisode un peu inférieur au premier, la faute à un rythme pas toujours maîtrisé et plombé par une intrigue qui se veut trop poussée et qui dessert le film. Néanmoins, le film de Chad Stahelski est à nouveau un très bon moment d'action, le sang gicle toujours autant et le capital charisme de Keanu Reeves est intact.
La fin laissant imaginer un troisième chapitre, il faut cependant se demander désormais si John Wick aura encore du neuf à proposer afin d'éviter une certaine lassitude. En attendant, il serait dommage de se priver de ce John Wick 2 qui rempli parfaitement son rôle de divertissement en plus de présenter des choses plutôt belles à l'écran.
